Портрет в стиле неопластицизма №5
Бумага 12х12, маркеры
К. Имамов t.me/KamilGrandhozov
Показать полностью
1
0 просмотренных постов скрыто
Чем символизм отличается от модерна?
На рубеже XIX и XX веков существовали два стиля - символизм и модернизм. У них общая атмосфера загадочности, красоты и в целом ухода от реальности. Одно и то же? А вот нет!
Символизм - это о чём картина. Модерн - то как она сделана. Один отвечает на вопрос «что художник хочет сказать», другой - «как художник это оформил». И они могут встречаться вместе, а могут по отдельности.
Показываю наглядно.
Сегодня разберу разницу на двух художниках, которые идеально показывают эти два полюса: Михаил Врубель - образец символизма, Альфонс Муха - образец модерна.
Для начала разберемся отдельно в каждом направлении.
Символизм - это направление в искусстве и литературе конца XIX века. Главная идея в том, что за реальным миром скрывается другой, тайный, наполненный духовным смыслом. Задача художника показать невидимое через символы и образы.
Михаил Врубель - главный русский символист в живописи. И его «Демон сидящий» 1890 года яркий пример этого направления.
На картине молодой обнажённый мужчина с мощным телом сидит, обхватив колени, среди странного каменистого пейзажа с фантастическими цветами. Закатное небо. Лицо печальное, тоскующее, с огромными глазами, полными какой-то нечеловеческой грусти.
Врубель объяснял, что его Демон - дух, который страдает и тоскует, соединяя в себе мужское и женское, силу и бессилие. Это символ мятущейся души.
Обратите внимание на технику. Врубель пишет как будто гранёными мазками, дробит форму на кристаллические плоскости. Краска плотная, мозаичная. Это не декоративный узор модерна, это попытка передать внутреннее напряжение через саму фактуру.
И главное - недосказанность. Кто этот Демон? Почему он грустит? Что с ним будет? Картина не отвечает. Она оставляет зрителя в состоянии тревожной задумчивости. Это и есть символизм: не рассказать, а навеять.
Врубель возвращался к образу Демона больше десяти лет. Писал «Демона летящего», «Демона поверженного». Этот образ преследовал его и, по трагическому совпадению, совпал с развитием его душевной болезни. К концу жизни Врубель ослеп и потерял связь с реальностью. Демон как будто забрал своего создателя - очень символистская, мрачная развязка.
Модерн (он же ар-нуво во Франции, югендстиль в Германии, сецессион в Австрии) - это прежде всего стиль оформления. Декоративный язык. Текучие линии, растительные орнаменты, плоскостность, изящество, узор. Модерн охватил всё: живопись, архитектуру, мебель, шрифты, украшения, обложки книг.
Альфонс Муха - чех, работавший в Париже. Стал одним из главных лиц европейского модерна. Он рисовал невероятно красивые афиши!
В декабре 1894 года в парижской типографии срочно понадобился плакат для новой пьесы великой актрисы Сары Бернар. Был канун Рождества, все опытные художники ушли на праздники и заказ от безысходности отдали никому не известному Альфонсу Мухе. Он сделал афишу «Жисмонда» и проснулся знаменитым. Сара Бернар пришла в восторг и подписала с ним контракт на шесть лет.
Что мы видим на типичной работе Мухи. Высокая стройная женщина в струящихся одеждах. Вокруг неё декоративная арка, цветы, орнаменты, изящный шрифт. Волосы вьются прихотливыми завитками. Вся композиция вытянута в узкую вертикаль и подчинена плавному ритму линий.
Вот тут начинается модерн в чистом виде. Главное у Мухи - линия. Текучая, гибкая, музыкальная. Знаменитый «удар бича» — изгиб линии, который стал фирменным знаком всего ар-нуво. Волосы у его женщин превращаются в орнамент. Граница между фигурой, одеждой и фоном размывается ради единого декоративного узора.
Второе - растительный орнамент. Цветы, стебли, листья, лозы оплетают фигуру. Природа у Мухи не реалистичная, а стилизованная, превращённая в украшение.
Третье - плоская иллюстрация. Муха почти не пишет объём и глубину. Его работы плоские, как витраж или ковёр. Это роднит модерн с японской гравюрой, которой европейцы тогда увлекались.
А вот по содержанию афиши Мухи просты. Это реклама спектаклей, шампанского, печенья, велосипедов, сигаретной бумаги. Никакой мучительной загадки, как у Врубеля. Прекрасная женщина-аллегория продаёт товар или зовёт в театр. Смысл прямой и понятный, зато форма - изысканнейшая. Муха превратил даже рекламу в высокое декоративное искусство.
Позже Муха создал серии «Времена года», «Цветы», «Драгоценные камни» - декоративные панно, где женщина-аллегория целиком растворяется в орнаменте. Это уже модерн в самом концентрированном виде: красота линии и узора как самоцель.
Подведем итоги, чтобы все прочно улеглось. В виде чек-листа будет удобнее. Итак, когда видите картину рубежа XIX–XX веков и не понимаете, символизм это или модерн, проверьте по точкам:
Спросите себя: картина ставит загадку или просто красива? Если хочется разгадывать скрытый смысл, тоску, тайну - это символизм. Если хочется любоваться орнаментом и линией - это модерн.
Посмотрите на линию и узор. Текучие декоративные линии, «удар бича», растительные орнаменты, плоскостность, изящество - признаки модерна. Драматичная, напряжённая, дробная фактура на службе настроения - ближе к символизму.
Посмотрите на сюжет. Демоны, сны, смерть, грех, мечта, неуловимые состояния души - символизм. Прекрасные женщины, объятия, цветы, декоративные аллегории - чаще модерн.
Посмотрите на отношение формы и смысла. Если форма служит идее - символизм. Если форма самоценна и любуется собой - модерн.
И помните: эти два могут жить в одной картине. Тогда вы имеете дело с символистом, работающим в стиле модерн, и это нормально, таких было много на рубеже веков.
---
Символизм и модерн - это два лица одной прекрасной эпохи, рубежа веков, когда искусство устало от грубого реализма и захотело либо тайны, либо красоты. Символизм выбрал тайну. Модерн выбрал красоту. И оба подарили нам картины, перед которыми хочется стоять долго, пусть и по разным причинам.
Теперь, когда вы будете в музее в зале рубежа веков, попробуйте про каждую картину спросить себя: она хочет, чтобы я разгадывал, или чтобы я любовался? Ответ почти всегда подскажет, символизм перед вами или модерн.
А что вам ближе по характеру - загадочный Врубель или изящный Муха? Интересно, кого выберет больше людей. Напишите в комментариях.
Подписывайтесь на канал в ДЗЕНЕ: MD Art Guide. Вечером отправимся в Испанию к Эль Греко - художнику, который назвал самого Микеланджело плохим живописцем и поплатился за это: https://dzen.ru/id/697b0b890aeeb92c5450df2b?tab=articles
Показать полностью
5
Модернизм
Показать полностью
1
В мире зла, нужно больше добра и тепла
Берегите тепло в сердце, котиков в доме, уют в душе. Ведь без этого мир пуст, в душе тоскливо и на сердце неуютно.
(Моя новая работа. Холст на подрамнике 30×30. Смешанная техника: гуашь, цветной уголь и пастель. Покрытие: художественный лак).
Показать полностью
2
Черный Квадрат Малевича. Г*вно или шедевр?
И почему он стоит дохуллион денег?
Ну , как говорится
На самом деле ответ очень простой - потому что товарищ Малевич (кстати наш, родной, советский, польского происхождения правда, но это ладно) первый кто догадался написать такое полотно и представить его аж в далеком 1915 году на выставке под названием "0,10". И причем выставить его ни как "Битва негров глубокой ночью" , а прям как черный квадрат.
Прям просто черный.
Прям просто квадрат.
Вот он, родненький.
Как бы на этом статью можно было бы и завершить, но давайте попытаемся понять что сподвигло художника на такое откровение? Ведь важно понимать что вне зависимости от того нравится вам "Черный квадрат" или нет, Малевича стоит уважать хотя бы за то, что люди до сих пор спорят говно это или шедевр.
Давайте начнем сначала.
Прям с самого начала.
Искусство развивалось еще с тех времен, когда наши предки рисовали на стенах в пещерах мамонтов , соплеменников, инопланетян (ну которые им помогали пирамиды строить, ну вы знаете). Потом люди освоили живопись красками.
Пришелец смотрит на тебя как на г*вно
Ну как освоили.
Если посмотреть на картины тех лет, то в них отчетливо прослеживаются библейские мотивы, ибо помочь художнику не умереть с голоду на тот момент могла, как правило, только церковь. Да и платила она как сдельщикам на заводе - чем больше краски потратил, тем больше денег получил. Потому художники тех лет от таких дел радостно клали болт на всякие там богохульные пропорции, перспективу и вот это все. Никто такими мелочами не заморачивался.
А потом пришел товарищ Леонард. Тогда еще не черепашка-ниндзя и не паблик во Вконтакте. И очень удачно он попал под народную волну идеи , что мол не тварь я дрожащая , а право имею. Если кто не знает , то в Средние века мейнстримом было думать что Б-г это наше все, а человек - это грязь из-под ногтей. Но в эпоху Возрождения все стало совсем не так. Начал активно набирать обороты культ тела и все такое прочее. Так что если хотите блеснуть эрудицией можете при виде накаченных младенцев на картинах смело говорить: "О , это эпоха Возрождения" . Не ошибетесь.
Так вот Леонардо да винчи начал заморачиваться с написанием портретов. И прям делал успехи. Любой фотограф подтвердит. То есть живопись начала передавать все более и более реальную картину мира.
А потом товарищ Рембрандт начал так изображать окружающую действительность, без этих ваших гламурных девиц с горностаями, что ребятам искусствоведам пришлось придумывать новую эпоху в искусстве. Так что если увидишь картины, где обычные люди занимаются своими делами, и все действо происходит в темных тонах, вероятнее всего это #Барокко.
Собственной персоной.
И вот в один прекрасный момент этих картин стало тааааак много, что любой новоиспеченный художник сразу же растворился бы в этом всем многообразии. И вся его оставшаяся жизнь свелась бы к тому чтобы писать портреты богатым шишкам или продавать пейзажи где-нибудь на площадях с такими же бедолагами как он сам.
Нужен был новый подход.
И им стал импрессионизм.
Если говорить вкратце, то импрессионисты делали все так, как их учили в академии. Так, но с точностью до наоборот. Они писали как правило очень быстро, оттого и мазки получались довольно таки небрежными, да и та самая реалистичность уже отошла на второй план. Но это было неважно, важно было заставить человека испытать эмоции через некую воздушность картин, легкости повествования если так можно выразиться, интересных цветовых решений (что по-моему мнению и является прорывом в живописи того времени), сюжетов , где люди счастливы и довольны. Люди на картинах лежат на траве/катаются на лодках/гуляют в парках? Импрессионизм.
Идея , что человек должен увидеть нечто такое что заставит его ох*еть, начала приобретать новые формы. Требовался очередной новый подход. Реальность на картинах уже была никому неинтересна, да и зачем стараться когда товарищ Нисефор принес в этот грешный мир технологию фотографии.
И тут на сцену выходит модернизм.
Причем в прямом смысле этого слова. Но об этом чуть позже.
Новый подход заключался в том, чтобы удивить зрителя казалось бы своей простотой. Чем проще - тем лучше. Если Вы видите картины, которые будто бы рисовал пятилетний ребенок, а стОит она как мост , который ремонтируют уже третий год, знайте это что-то из этой оперы. И если Вы думаете , что такое каждый может написать то Вы глубоко заблуждаетесь. На тот момент это было что-то сродни теории относительности Эйнштейна. То есть то, что сломало всем мозг.
Не все зрители конечно поняли такой подход, но еще хуже было тем самым художникам, которые на самом то деле вполне себе знали все академические приемы написания картин, но, ломая свое представление о прекрасном, свои привычки, выдавали что-то вроде "Женщины с граблями".
Та самая женщина с (сюрприз, сюрприз) граблями.
И вот тут мы подходим к самому интересному.
Была такая опера "Победа на солнцем", где Малевич работал как декоратор, и собственно "Черный квадрат" впервые был представлен там. Сама "фишка" сего мероприятия была в преставлении мира примитивными фигурами.
Я б на такое сходил.
И позже эту концепцию Малевич с единомышленниками представят на той самой выставке, где "Черный квадрат" станет в верхнем углу, где как принято во всех домах того времени, всегда была икона.
Так что сделал то Малевич наш Казимир? То есть по сути он замкнул круг. Круг развития живописи. Квадратом. Поставил точку. Люди начинали с примитивных форм, ими же и закончили. Нуль , так сказать , форм. Этим он и смог занести себя в анналы истории - наплевав на все устоявшиеся каноны представить идею в первозданном , чистом виде. Казимир сделал так, что люди , как я уже написал в начале статьи, до сих пор обсуждают его главную картину и до сих пор про нее спорят. Если быть точнее про них, так как вообще-то квадратов 4 штуки, но это уже как говорится , совсем другая история.
Итог: Малевич - классный мужик, а ты нет.
Шутка.
Ты тоже классный, особенно если ты все понял и не будешь больше судить любое искусство не зная контекста. Потому как думать что я один умный, а все остальные дураки - подход очень неправильный. Особенно если учитывать , что "Черный квадрат" прямо или косвенно оказал влияние не только на живопись, но и на другие сферы жизни будь то литература, кино, дизайн в конце концов. Согласись что глупо говорить что Бах или Моцарт это такое себе, потому что ты это не понимаешь, при условии что так или иначе они стали прародителями твоего любимого Моргенштерна. Ну или еще кого похуже.
Показать полностью
8
Лежу у стены и смотрю на ковер
Лежу у стены, и смотрю на ковер.
Мне 5 лет, у меня тихий час.
Целую вселенную скрывает его узор. Щекочет мой мозг через открытый глаз.
Немного о вере и после-постмодернисте
До-модернизм умирает вместе с Богом, модернизм рождается с верой в прогресс и умирает вместе с этой верой, забирая с собой в могилу все идеалы, все ценности, все правила. Когда погибает вера во что-либо, появляется постмодернизм.
Что есть после-постмодернизм и после-постмодернист? После-постмодернизм – это возрождение веры в самом широком значении этого слова, но эта вера с оглядкой на то, что по умолчанию все лишено смысла. Априори есть только спорная воля, спорная свобода и равнодушная вселенная. После-постмодернист – это Пёс-призрак Джармуша, человек, утративший веру во все идеалы и правила, но берущий на вооружение руководство самураев «Хагакуре», так как только путь самурая может дать смысл его жизни и структурировать ее.
Вера после-постмодерниста существенно отличается от веры в классическом понимании этого слова. Вера после-постмодернизма – это «как если бы я верил». Вера после-постмодерниста – это кастанедовская концепция «должен верить», когда вера не господствует, но является осознанным выбором, и ты несешь всю полноту ответственности за то, во что веришь, ты понимаешь, зачем ты веришь, при этом ты принимаешь изначальную бессмысленность всего происходящего с тобой.
Вера после-постмодерниста – это и вера Охлобыстина: «…У меня нет веры, но я понимаю, что без нее жить нельзя… У меня нет веры, но от чего-то я знаю: точно настоящий смысл моей жизни и заключается в утверждении того, во что я так и не смог поверить. Иначе никак нельзя объяснить, почему я иду в церковь и молюсь, а я иду в церковь и молюсь, иду и молюсь».
Вера после-постмодерниста может быть разной, но это всегда необходимость изнутри, а не господство извне.
30 апр 2014
Показать полностью
Любовь, коты, вдохновение и современное искусство
Работаю над заказом для галереи художников и показываю, что получилось.(Это не выставка, поэтому без приглашений.)
Модернизм, немного кубизма, максимальное вдохновение и, конечно же, котики. Такая она, моя новая работа. Первая из серии картин, которые уже скоро уедут в галерею. Не реклама, не продажа, поэтому без ссылок и названий. Просто делюсь результатами.
Показать полностью
1